Vient de paraître, juin 2021,
Collection Grand ours, L’Ail des ours / n°9
Gravures de Marie Alloy
Un pays Et sa légende Ici Ce n’est pas le vent Mais des pousseurs de nuages Il faut croire fermement En la parole du conteur Le sommeil venant toujours Trop tôt Pour qu’on puisse les voir. (extrait, p 23)
Photos et gravures Marie Alloy © Adagp
Vient de paraître dans la série Plaquettes éditées par A L’INDEX
Paysage avec mare
Pour acheter cet ouvrage accompagné de reproductions de sept gravures de Marie Alloy: REVUE “A L’INDEX”, Espace d’Écrits :
51 pages – format 15 x 21 cm, prix unitaire de 12 € port compris
Merci de libeller votre chèque à l’ordre de Association “Le Livre à dire”, Jean-Claude Tardiff, 11 rue du stade, 76133 Epouville
Vient de paraître “Quelques éclats furtifs“ aux éditions Mirage, un ensemble de poèmes de Marie Alloy, accompagné d’aquatintes originales de Christiane Vielle.
Le texte est composé en Optima, imprimé par Christiane Vielle et tiré à 15 exemplaires numérotés et signés par l’auteur et l’artiste. Présentation sous étui transparent en plexi, format : H: 10 cm, l: 10, 5 cm; dos : 1,5 cm. Pour un achat éventuel, contacter l’artiste-éditrice Christiane Vielle, merci.
Sélection de quelques belles pages :
Mon regard sur ce très beau livre : Chaque livre de cette édition originale est unique car interprété de diverses couleurs et matières graphiques d’aquatinte pour les estampes. Le travail de Christiane Vielle fait ici œuvre par les variations chromatiques des fragments gravés qu’elle module en d’infinies recompositions et transparences. La genèse du travail de regard est rendue visible par les cadrages qui opèrent des sortes de fenêtres sur le monde. Chaque page dialogue avec plusieurs sonorités colorées qui ouvrent un lieu singulier de formes et de tons en résonance subtile avec ces instants que sont les poèmes. Parfois ce sont des éclats fugitifs de verts ou de jaunes, ou un bleu en fond mélodique qui vient se heurter doucement à l’empreinte grise d’un geste. Tout est en mouvement et fonde la page comme une peinture et ses strates de temps. Une aube ou un crépuscule offrent leurs teintes qui semblent sans commencement ni fin. Le livre prend forme dans cette fragilité intime et heureuse grâce à l’exactitude exigeante de l’artiste Christiane Vielle qui sait unir rigueur et délicatesse. Cette Recherche personnelle donne au livre une forme mélodique infinie. Des correspondances se créent par les rythmes entre les pages et la composition typographique. Ce travail intuitif de calcul et d’improvisation, d’ajustements et de transformations, me fait songer aux Variations Goldberg de Bach, à un “work in progress”. Voilà donc une conception du livre d’artiste qui nous ouvre un magnifique champ de possibles tout en restant modeste dans sa présentation. Les variations sont souvent intenses et très subtiles et les détails nourris d’imprévisibles rencontres. Christiane Vielle expose actuellement des estampes d’une improbable légèreté, à la librairie-galerie Mauguin (32 rue Vergniaud, 75013 paris), sous le titre emblématique “Une légère pesanteur”.
© Marie Alloy
Voici une exposition Galerie Anaphora qui va durer jusqu’au 17 février 2018, où je présente des gravures parmi celles d’autres graveurs comme Livio Ceschin, Paola Didong, Hélène Nué, François Houtin, Claire Illouz. Sont également présentés quelques uns de mes livres d’artistes (parmi ceux d’autres de graveurs présents plus un beau livre d’Hélène Baumel) où l’élément végétal dialogue avec les poèmes de Luc Dietrich, Françoise Hàn, Jean Pierre Vidal, Antoine Emaz. On peut également, sur demande, contempler sur place des estampes placées dans des cartons à dessin.
Adresse et coordonnées : 13 rue Maître Albert, 75005 Paris
Quelques unes de mes gravures :
Poème inspiré par l’exposition:
précieuses et si précises
qui sombrent en sommeil gris
là où la lumière par multiples fissures
s’immisce entre les feuillages
au fil d’un songe aux ronces agrippé
Tapi entre les frondaisons noires et l’herbier de poussières
le regard suit les stries étranges de champignons d’acier
puis les alvéoles d’une sorte de cerveau
où lèvres et langues rongent des formes de racines
Quelques chardons aux pointes adoucies
montrent le chemin parmi voiles et bouquets séchés
Partout les épines sont mentales et l’herbe vit
dans les vestiges de l’enfance envahis de buissons
Le ciel est tout petit chargé de grêlons gris
Le grouillement des chairs et des feuillus
hante les yeux dans la grisaille
Les mots n’ont pas beaucoup de place
Comme les rejets d’un acacia sortant de terre
gravent l’espace de leur épitaphe végétale
d’infimes griffes saignent dans l’ombre de l’encre
Rien ici ne peut se démêler
On cherche un chemin dans la lumière du papier
Nous sommes aux premiers temps du monde
La mélancolie commence à planter ses racines
Tout pousse repousse et s’affaire à pousser
à enrouler ses tiges autour des graminées
à jeter ses graines
aux quatre points cardinaux des feuilles gravées
C’est une avalanche qui sourd sous les branches
un éboulis de bonnes et mauvaises herbes
À l’origine nous sommes revenus
peut-être déjà expulsés du monde
Cueillir un seul brin d’herbe serait une offense
Contempler est tout ce que nous pouvons faire
en gravant le monde premier
et dernier peut-être
le végétal demeure notre raison d’être
Marie Alloy, 10 01 2018
à retrouver sur Facebook ou par mail : galerie.anaphora@gmail.com
Exposition actuelle:
“Petits formats pour de grands vœux”
Depuis de nombreuses années, relisant régulièrement « Emblèmes végétaux », je me dis que, décidément, j’aime ces textes poétiques ! Voilà une voix qui me parle, une façon de dire la nature en écho à la psyché humaine qui ne cesse de m’émouvoir ; quelque chose se produit à leur lecture que je ne peux pas analyser, l’étonnement d’un profond accord, d’une communauté de regards. Les textes de cet ensemble « Emblèmes végétaux » résonnent avec force et finesse face à mes gravures, on les dirait écrits pour elles… Voilà, spontanément, ce que j’ai ressenti de prime abord – ce qui fut le point de départ de ce livre, avec un vrai désir d’accompagner le regard pénétrant de Luc Dietrich.
J’ai lu, relu, puis j’ai gravé, spécialement pour ces pages, ne voulant pas utiliser des gravures plus anciennes qui auraient pu leur correspondre. Sachant que Luc Dietrich avait écrit ces textes à partir de ses propres photos d’arbres, de feuillages, de nature, j’ai différé le besoin d’en prendre connaissance avant la réalisation de mes propres gravures. Car ce qui m’importait, c’était de rendre visible un écho personnel à ces poèmes, de donner à voir ce qu’ils gravaient en moi, l’empreinte qu’ils laissaient ouverte et le chemin de conscience que je pouvais ensuite établir entre ses mots et mes estampes.
Aujourd’hui, devant la photo faite par Luc Dietrich qui accompagne La main et la feuille, je comprends le lien qu’il a pu établir entre la morphologie des doigts d’une main et les diverses divisions du limbe de la feuille comme ici cette feuille – de figuier me semble-t-il (dont le terme scientifique est : à nervation palmée). Les doigts de la main, (de Dietrich ?), vus à contrejour derrière la transparence de la feuille, interrogent les correspondances entre vie humaine et vie végétale, dont celles qui ne sont pas seulement graphiques.
Comme « Tout s’inscrit aux nervures de la feuille », « Tout est gravé dans le creux de la main », c’est pourquoi j’ai choisi de retenir ce titre « La main et la feuille » pour l’ensemble du livre d’artiste, car le lien poétique que réalise Dietrich entre leurs deux réalités, fait de l’analogie visuelle le fruit d’une poétique à dimension philosophique. Si « Tout s’inscrit aux nervures de la feuille », les saisons, le sol, l’air, « l’âge où l’on porte fruit avant de dépérir pour repartir, au cœur d’un autre germe », au creux de la main, on retrouve, gravés « les défaites qui sont tombées sur nous comme la pluie » et « les succès ». Ainsi notre « secret destin », comme celui de la feuille, « est inscrit jusque dans les étoiles ». « Notre main est une étoile de chair » et « cette feuille est une paume céleste ». Toutes deux s’ouvrent à l’espace, à la lumière du dehors, toutes deux auront connu « l’âge où l’on s’élève et se dédouble ». Face à cette multiplication des possibles qui s’engendrent mutuellement, cette main et cette feuille, uniques et semblables, indiquent que rien n’est séparé et que bien des éléments du monde peuvent se retrouver ainsi, unis par le dessin – ou le destin.
J’ai donc travaillé mes gravures en insistant sur l’infinité des nervures végétales, si proches de la peau humaine et même du système lymphatique. J’ai cherché à traduire, grâce à cette « main de ramures *» l’immensité cosmique. La matière obtenue par une constellation d’empreintes végétales, avec la technique du vernis mou et divers tracés à l’eau forte, encrée de noirs et de gris, donne l’impression d’un hors temps, comme une sorte de mise en sommeil du monde, ou son envers mental. L’univers végétal est saisi à partir de l’infiniment petit, il restitue avec finesse la matière la plus frêle, la « saveur *» du fragile (d’infimes fragments et bris de végétaux sont unis en un tissage suggestif) – en résonance poétique avec la prolifération de détails minuscules, comme quelques fines racines noires échevelées ou le fil blanc de radicelles. Parfois se pose un épi de lumière sur le fourmillement secret des grains de l’aquatinte. Dans « Matin sur le lac », « une herbe vivante indique le chemin de la délivrance ».
Cette main d’homme donnée à la feuille, fidèle à la terre et à l’intuition du photographe Luc Dietrich, j’espère lui avoir rendu hommage. En gravant les semences végétales, en imprimant leur éclosion dans l’espace en une myriade d’étoiles jetées dans l’obscur, la feuille et la main se rejoignent, laissant à chaque poème la douceur mystérieuse de leur rencontre…
2017 06 20 Marie Alloy
Extrait d’une note de lecture par Pierre Lecoeur, à paraître dans la Revue EUROPE (droits réservés)
Françoise ASCAL : Noir-racine précédé de Le Fil de l’oubli, monotypes de Marie Alloy (éditions Al Manar, Alain Gorius, 15 €).
” Le Fil de l’oubli, poème narratif en prose publié dans une première version aux éditions Calligrammes, explore une mémoire familiale hantée par le deuil impossible et l’omniprésence des morts. Les cinq sections du récit s’attachent à restituer la destinée et la vie intérieure d’un homme, Joseph, le grand-père, mort dans un hôpital de campagne en 1915, de son épouse, Élise, de ses deux enfants, Marthe et Gabriel, et de sa petite-fille, non nommée car elle est celle qui dit « je ». Celle-ci tente, au-delà de ses propres souvenirs et de ce qu’elle sait par ouïe-dire, de restituer la présence de ces êtres humbles, de porter leur drame à la lumière, pour mieux en révéler l’opacité, et la dimension tragique. Elle y parvient si bien que le lecteur a, à maintes reprises, le sentiment de voir prendre forme sous ses yeux sa propre histoire, collective mais également personnelle, intime, tant les expériences relatées s’inscrivent sur fond d’universel – non pas l’universel de la généralité mais d’une singularité qui paradoxalement est toujours la même. Chaque section du poème est consacrée à l’un des membres de la famille ; chacune est introduite par une carte postale écrite par Joseph à ses proches peu avant sa mort. Ce rappel d’un drame fondateur est emblématique de la démarche de l’écrivain, dont le discours est hanté par l’origine. Ces missives, retrouvées par la narratrice, ne contiennent que de pauvres paroles, celle d’un homme du peuple qui souffre et ne songe pas à se plaindre, et si elles disent autre chose que les linéaments du quotidien le plus banal (les symptômes du malade, les travaux des champs dont il est exclu…), c’est en creux, comme il apparaît de manière saisissante dans le dernier courrier, alors que Joseph se sait condamné. Quatre initiales inscrites avant la signature révèlent sans le dire tout ce qui l’attache à son épouse, et que sa pudeur refuse de livrer au grand jour. Ce cryptogramme émouvant renvoie, plus essentiellement, au secret de l’écriture, secret qui fascine Gabriel, quand, enfant, il observe sa sœur Marthe répondre aux cartes de leur père. Toutefois, au pouvoir de l’écriture s’associe comme une ombre la conscience de son insuffisance. (Suite article à paraître)
L’exigence et la modestie qui président à la quête poétique de Françoise Ascal sont les valeurs autour desquelles Marie Alloy, auteur de nombreux livres d’artiste (avec Guillevic, Dhainaut, Emaz…), construit son œuvre peint, gravé et, plus rarement, écrit. Dans l’esprit d’un Sima, Marie Alloy explore des confins où la matière parvient à une forme d’essentialisation. On reconnaît cette recherche dans les monotypes qui accompagnent les mots de Françoise Ascal. Si le travail de l’encre peut suggérer des réalités concrètes, végétales notamment, le jeu sur la réserve, sur le rythme qui organise une matière brossée, ponctuée de jours, parsemée de traces et de griffures, ouvre à même les deux dimensions de la feuille l’espace du temps, de la mémoire ou des signes qui se superposent au monde pour le révéler. Ce milieu indécis et suggestif répond dans sa tonalité au chant étrange qui ouvre et ferme Le Fil de l’oubli :
Entendez-vous parfois le bruit d’une faux ?
Une vibration dans l’air,
un bruissement de graminées qui chutent
Est-ce l’aube ?
Est-ce le crépuscule ?”
© Pierre LECŒUR
monotype, Marie Alloy
Françoise Ascal est poète et écrivain. Elle a souvent travaillé avec des peintres, et donné de nombreuses lectures accompagnées de musiciens. À travers différentes formes (poèmes, récits, notes de journal, livres d’artistes) ses textes interrogent la matière autobiographique, explorent la mémoire et ses failles, croisent l’intime et le collectif.
Une nouvelle idée a pris corps, dans un beau travail d’équipe en duo : présenter les livres d’artiste des éditions Le Silence qui roule dans des étuis avec chemise ou dans des boîtes de conservation, en utilisant des papiers peints par Marie Alloy. Leur réalisation est finalisée par Nathalie Peauger, relieur de L’écrin des écrits, à Orléans. Chaque papier est différent, donc chaque étui avec chemise est différent, interprété selon l’esprit du livre et sa couleur dominante. c’est une forme de reliure de création qui permet de donner une personnalité individualisée à chaque livre.
Une main dans la neige, Françoise Hàn
Le jardin aux trois secrets, de Jean Pierre Vidal
Pouvez vous nous parler de vous, de votre parcours ?
Je suis née en 1951 à Hénin-Beaumont dans le Pas-de-Calais. Une enfance et une adolescence dans le nord de la France, près de Douai, avec un intérêt très tôt marqué pour la peinture et la poésie. Puis des études artistiques du nord au sud : Beaux Arts de Lille, Marseille, université d’Aix en Provence et Paris. Je vis actuellement dans le Loiret, près d’Orléans où j’ai enseigné les arts plastiques avant de me consacrer pleinement à la peinture, la gravure et l’édition de livres d’artiste avec des poètes contemporains.
Vous dessinez, vous peignez, vous photographiez, vous réalisez des estampes… Y a-t-il un lien pour vous entre ces pratiques ?
Je me suis d’abord consacrée à la peinture, dès les années 70. Puis je me suis investie dans la gravure de façon plus intense dans les années 90, cette technique exigeante m’ayant permis de trouver une expression plus concentrée sur l’essentiel. Le livre d’artiste fut alors le moyen privilégié de faire vivre les gravures en dialogue avec des poèmes. Ces différents supports d’expression, qui me sont nécessaires, sont devenus interdépendants. Ils se renforcent et s’épaulent en échangeant leurs domaines. Finalement, ils ne forment plus aujourd’hui qu’un seul terrain d’exploration intérieure.
Quant à la photographie, pas un jour sans ! La nature foisonnante de la région retient le regard, y inscrit le dessin des arbres, des ronces, racines, étangs, champs, rives de Loire, y grave les jeux incessants de l’ombre et de la lumière. C’est là une imprégnation continue qui vient ressurgir sur les toiles ou les gravures. Je n’y échappe pas ! Ce que j’observe se photographie en moi et s’y grave, c’est pourquoi la notion d’empreinte est si importante dans mon travail. Mais ce qui s’imprime ne ressort pas de façon mimétique, c’est une sorte de retranscription graphique et picturale personnelle du monde perçu et reçu.
Vous aimez lire la poésie, mais écrivez-vous également ?
L’écriture, en particulier des notes d’atelier ou des textes sur des expositions marquantes, accompagne également mon parcours quotidien, alimenté par les lectures, littérature, art, esthétique…etc., où, oui, la poésie tient une grande place, avec un intérêt pour la découverte des auteurs contemporains et le besoin d’une pensée qui soit à la fois sensible, critique et documentée.
Sur votre site, on lit que vous avez développé une pratique poétique de la peinture, en quoi cela consiste-t-il ?
Je crois que ma peinture actuelle penche du côté de la poésie, un peu comme celle de Sima, Léon Zack, Vieira da Silva, Truphémus, par exemple, pour citer ceux sur lesquels j’écris en ce moment à propos de la lumière. Je cherche en peinture ou en gravure à établir une relation sensible avec le monde réel qui soit suggestive, allusive, non descriptive, et en même temps pas totalement abstraite, encore moins conceptuelle, donc plutôt située du côté de l’intériorité. Difficile d’en dire plus, tout n’est que tâtonnements, incertitudes, transformations continues. C’est une forme de recherche spirituelle où les mots, les poèmes, pensées, images, travaillent aussi au tableau. Je ne me sens pas exclusivement peintre. Je reste à l’écoute du monde de différentes façons pour donner du sens ou le retrouver, le faire émerger du magma d’informations qui nous submergent si nous ne faisons pas cet effort de création et de pensée pour les mettre en forme et leur redonner vie. C’est cela la poésie, je crois.
Poésie et peinture sont donc étroitement liées pour vous, et vous aimez travailler avec des poètes. Comment vivez-vous ces collaborations ?
Le travail avec les poètes est une manière d’entrer en dialogue avec l’Autre. Cela se passe dans l’échange de courriers puis le silence de l’atelier. C’est aussi une façon de confronter des voix, des regards, pour mettre en page estampes et poèmes dans une architecture du livre qui permettra de déployer au mieux le temps du regard et le temps de la lecture, afin qu’ils s’enrichissent mutuellement. C’est une expérience unique et imprévisible à chaque fois qui permet une véritable rencontre dans le livre. Le mot « collaboration » me semble inadéquat, le travail commun consiste surtout en une mise en résonance de l’un, poème, par l’autre, gravure, qui ne peut exister que dans cet espace. De plus certains poètes me laissent une totale liberté avec le poème qu’ils me confient, la « collaboration » dans ce cas, reste assez limitée, elle est confiance avant tout, puis découverte de ma proposition.
Vous avez créé une maison d’édition en 1993, Le Silence qui roule, comment en avez-vous eu l’idée ?
La gravure, technique permettant le multiple, est une fidèle du livre depuis les débuts de l’imprimerie. Aimer la poésie, créer des estampes, les mettre ensemble, est un mouvement à l’origine très naturel. J’ai donc commencé à réaliser quelques livres d’artiste à partir de 1992 et trouvé ce nom pour construire une petite structure d’édition nommée « Le Silence qui roule ». A ce jour j’ai réalisé 33 livres d’artistes dont je suis l’artiste accompagnant des poèmes inédits de poètes d’aujourd’hui avec qui je sens une affinité possible.
Le « Silence », est ce que je cherche à atteindre dans mes créations et livres pour ne pas tomber dans l’illustration ou l’anecdote, et le « qui roule » évoque le mouvement de la presse du graveur. Associer le silence et le roulement de la presse taille douce est une façon d’insister avec poésie sur le mouvement perpétuel de la création.
Comment naît un livre ?
Il naît à partir de ma demande d’un poème à un auteur dont l’écriture me parle et se construit dans l’atelier gravure. Il arrive également que des poètes me contactent pour être édités mais je ne peux leur garantir de pouvoir faire un travail d’accompagnement en peinture ou gravure, quel que soit d’ailleurs la qualité de leur poésie. Jusqu’à présent le poème était premier et je faisais le travail de mise en résonance par mes gravures. Je me mettais en quelque sorte au service et à l’écoute du poème.
Lorsque je me sens en accord profond avec un poète, le livre naît de manière fluide, comme par exemple avec Françoise Hàn. Mais j’éprouve actuellement le besoin d’affirmer davantage mon propre cheminement d’artiste et de demander au poète de faire cette recherche d’écriture en regard des estampes. Le livre ainsi suit les mouvements de la vie…
Avec Pierre Dhainaut par exemple, j’ai réalisé trois livres d’artiste ayant chacun un univers singulier, le rythme du poème et son sens me conduisant au choix technique, au format, et à une mise en page particulière. J’ai fait pour lui un livre presque carré avec des grandes gravures sur bois, un autre vertical, avec des aquarelles et une mise en page en triptyque et le dernier avec de longues aquatintes horizontales et le poème dans l’estampe.
Avec Jean Pierre Vidal et le livre « Thanks », ma recherche s’est réalisée à partir d’un dialogue continu avec l’auteur à qui j’ai montré les différentes étapes et épreuves gravées, pour atteindre une meilleure justesse dans les choix et orientations. C’est un enrichissement mutuel incontestable.
Quel est votre meilleur souvenir d’édition ?
Honnêtement il n’y en a pas de meilleur. Tous les livres sont singuliers par leur approche, leur histoire, durée, difficultés et réussites. C’est toujours un bonheur de donner le meilleur de soi pour réaliser de tels livres. Sur certains livres j’ai vraiment souffert physiquement, car j’ai passé beaucoup de temps à tirer de très grandes gravures, des mois de tirages, mais après le montage du livre, le résultat est une belle récompense ainsi que l’accueil du poète. J’ai eu la chance de rencontrer plusieurs fois Eugène Guillevic qui m’a fait l’honneur, la confiance et la joie de me confier des poèmes. J’ai pu ainsi réaliser deux livres avec lui : « L’éros souverain » et « Devant l’étang ». Ce fut une rencontre humaine très importante dans mon parcours. Elle s’est ensuite prolongée, après la disparition du poète, avec son épouse Lucie Albertini, devenue une amie.
Quels sont vos projets à venir ?
J’ai déjà quelques manuscrits de poèmes en attente, mais je ne programme pas « l’inspiration » ! Comme je peins, grave, écrit, tout autant, je réalise un ou deux livres d’artiste par an pas plus. Ils suivent donc mon chemin de création. Le budget de réalisation de tels livres me limite aussi. Je vise la qualité et non la quantité, et suis le seul maître d’œuvre à l’atelier !
A la fin de cette année, une exposition de mes peintures est prévue au musée des Beaux-Arts d’Orléans et dès janvier, au cabinet d’Arts graphiques de ce même musée, gravures et livres d’artiste récents.
Suite avec images sur le site Terre à Ciel !
